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10 faits sur la licorne

Les licornes étaient si courantes que chaque enfant aurait connu de très bons faits sur les licornes sans vraiment avoir à faire de gros efforts pour y penser. Malheureusement, maintenant qu’il est devenu beaucoup plus difficile de repérer une licorne dans la nature, cette connaissance partagée des licornes a pratiquement disparu.

Je parie que, même en tant que fervent observateur de licornes, vous auriez du mal à penser à plus que deux ou trois très bons faits sur les licornes. Cependant, ce qui est vraiment génial pour découvrir de nouveaux faits sur les licornes, c’est que plus vous en savez, plus vous croirez aux licornes et plus vos chances d’en repérer une sont élevées si l’on croise votre chemin.

Je collectionne des faits intéressants, inhabituels et vraiment bizarres sur les licornes depuis aussi longtemps que je me souvienne, alors voici mon top 10.

Les licornes sont des maîtres du déguisement

Probablement le fait le plus surprenant de tous; vous n’avez probablement jamais su que les licornes sont des maîtres du déguisement.

Bien que les licornes soient beaucoup plus rares qu’elles ne l’étaient jadis, il est fort probable que vous ayez croisé le chemin d’une licorne au moins une fois dans votre vie; vous ne saviez tout simplement pas que vous l’avez fait.

Les licornes sont si magiques et si intelligentes qu’elles peuvent se cacher à peu près n’importe où et peuvent également se déguiser en la plupart des choses.

Si vous avez déjà remarqué un lapin assez gros avec des cils arc-en-ciel, ou même un canard avec un léger soupçon de paillettes lors de vos aventures, vous auriez peut-être pensé que vous deveniez un peu fou.

En réalité, c’est parce que vous venez de tomber sur une licorne pas tout à fait déguisée.

C’est une chose très utile à savoir lorsque vous avez à cœur de trouver où se trouve votre licorne locale.

licorne

Les licornes sont des mangeurs sains

En ce qui concerne la nourriture des licornes, c’est une idée fausse largement répandue selon laquelle les licornes n’aiment rien de plus que de se bourrer le visage de cupcakes et de bonbons aux couleurs de l’arc-en-ciel.

Certes, il y a quelques licornes qui ont une dent particulièrement sucrée, mais même celles-ci préfèrent avoir un régime alimentaire composé d’au moins quelques aliments non colorés.

La plupart des licornes que j’ai rencontrées semblent préférer manger en bonne santé; vivant principalement d’un régime composé de mousse, de pommes, d’herbe et de glaces occasionnelles avec des pépites si le temps est particulièrement chaud.

Les licornes détestent le slime

Vous savez maintenant que les licornes sont des maîtres du déguisement et pouvez utiliser ces connaissances pour vous aider dans vos aventures afin de découvrir votre propre licorne locale.

Cependant, un autre fait clé à propos des licornes est qu’elles détestent le slime.

Vous n’attraperiez jamais une licorne déguisée en quelque chose de gluant, donc, si vous tombez sur un escargot scintillant ou une limace irisée, il est beaucoup plus probable qu’il s’agisse d’un gnome ou d’un furzleworzle déguisé qu’une licorne.

Je dois admettre que j’ai été particulièrement ravie lorsque j’ai fait cette découverte car, beaucoup plus jeune, j’étais devenue convaincue que j’avais repéré une licorne vivant dans mon marais local. Après avoir ramassé de nombreuses créatures gluantes qui se sont finalement avérées ne pas être du tout des licornes, j’ai été soulagé de constater que je n’avais plus besoin de continuer mes recherches dans ce domaine; d’autant plus que j’avais le sentiment plutôt troublant que les gnomes et les bogarts se transformaient en diverses choses gluantes juste pour me narguer.

Les licornes sont très timides

Vous le savez probablement déjà, mais c’est un bon fait à garder à l’esprit lorsque vous partez à l’aventure.

Vous aurez besoin de beaucoup de patience lorsque vous essayez de repérer une licorne et il est important de garder le moral en vous rappelant que non seulement ils sont maîtres du déguisement, mais ils sont également très timides.

Malheureusement, ce fait rend les licornes encore plus difficiles à repérer dans leur habitat naturel; à moins que vous ne rencontriez une licorne inhabituellement grégaire, ce qui est bien sûr tout à fait possible.

Vous adorez les licornes et leur univers ? Pourquoi ne pas vous transformer en une gentille petit licorne avec une combinaison pyjama ?! Vous en retrouverez de toutes les couleurs et pour tous les goûts.

Chaque licorne a un tour de magie préféré

Qu’il s’agisse de tirer des étincelles d’arc-en-ciel hors de leur corne, d’évoquer un nuage scintillant de papillons ou de changer les bras et les jambes d’un petit enfant de couleurs différentes (pas de façon permanente bien sûr), chaque licorne a son tour de magie préféré.

Si vous vous liez d’amitié avec une licorne, c’est une bonne idée de demander à voir son tour de magie préféré car il est certain que ce sera quelque chose de très spécial.

Dans les temps très anciens, le passe-temps favori des licornes était de divertir les enfants du village avec des tours de magie spéciaux qui les faisaient rire pendant des heures.

Les licornes peuvent être de n’importe quelle couleur que vous pouvez imaginer

Il n’y a pas deux licornes identiques et elles peuvent être trouvées dans toutes les couleurs que vous pouvez imaginer.

Si vous fermiez les yeux et imaginiez la plus belle licorne que vous ayez jamais vue, il serait tout à fait possible qu’il y ait une licorne comme ça quelque part dans le monde; en fait, vous venez peut-être de changer une licorne dans cette couleur exacte.

Il existe une théorie parmi certains spécialistes de la licorne selon laquelle la couleur de la licorne ne dépend pas de la génétique, de l’habitat ou du régime alimentaire, mais est déterminée par le pouvoir de l’imagination.

Certains disent que lorsque les licornes naissent, elles n’ont pas de couleur mais prennent plutôt la couleur de leur environnement, tout comme un caméléon. Cela fournit un excellent camouflage pour la jeune licorne et expliquerait en partie pourquoi aucun bébé licorne n’a jamais été repéré à l’état sauvage.

Au fur et à mesure que les licornes mûrissent, elles commencent à passer à travers un certain nombre de couleurs temporaires, jusqu’à ce qu’un élan d’imagination fixe la licorne dans sa coloration permanente quand elle a environ 5 ou 6 ans.

Les licornes adorent les quiz

Je ne me souviens pas exactement comment j’ai découvert ce fait particulier sur la licorne, mais j’ai découvert que presque toutes les licornes que j’ai rencontrées ont adoré un bon quiz.

Alors que certains préfèrent les recherches de mots, d’autres comme les mots croisés et d’autres apprécient simplement un bon quiz de culture générale à l’ancienne, ce qui est certain, c’est qu’avoir une bonne plaisanterie sur des faits généraux intéressants pendant que votre aventure de repérage de licorne attirera presque certainement l’attention de une licorne.

Les licornes peuvent vivre jusqu’à des centaines d’années

Personne ne sait exactement quel âge a la plus vieille licorne du monde, mais nous savons qu’ils peuvent vivre jusqu’à des centaines et des centaines d’années.

La magie d’une licorne est très puissante et, bien que sa magie ne puisse pas les faire vivre éternellement, elle a un effet rajeunissant fantastique qui les garde jeunes et pleins de vie même quand ils sont très, très vieux.

licorne

Les licornes parlent en images

Bien que les licornes ne puissent pas parler comme vous et moi, elles ont des moyens de communiquer et peuvent partager leur propre langue avec des personnes spéciales avec lesquelles elles ont un lien profond et sincère.

Cela peut prendre des années et des années à rencontrer la même licorne avant que ce lien ne soit suffisamment fort pour que vous puissiez communiquer les uns avec les autres de cette manière spéciale.

Cela ne m’est jamais arrivé qu’une seule fois, mais j’ai eu la chance d’avoir une conversation avec une licorne dans sa propre langue. Une expérience très étrange, la licorne m’a parlé dans des images qui ressemblaient à un rêve le plus merveilleux mais beaucoup plus vivantes et réelles.

Si vous avez la chance de nouer une amitié avec une licorne en particulier, je vous exhorte à être patient et à continuer à croire au pouvoir de l’imagination jusqu’à ce qu’il se sente prêt à avoir une conversation avec vous en langage licorne. C’est vraiment une expérience incroyable.

Les licornes vivent partout dans le monde

Contrairement à la croyance populaire, les licornes existent partout dans le monde et ne sont pas limitées à un habitat particulier.

Dans les temps très anciens, il était vrai de dire que le lieu de vie préféré de la licorne était dans les forêts enchantées, mais comme celles-ci sont devenues de plus en plus rares, la licorne a dû s’habituer à vivre dans toutes sortes d’endroits.

L’endroit où vit une licorne est de nos jours principalement déterminé par la préférence individuelle de la licorne. Certains aiment vivre dans les villes, d’autres préfèrent les plages tandis que d’autres préfèrent encore la familiarité réconfortante de la forêt, qu’elle soit enchantée ou non.

Les licornes ne vivent pas toujours au même endroit non plus. Comme elles sont naturellement curieuses, elles aiment explorer et, sur la recommandation d’autres licornes, elles se rendront même dans d’autres pays pour visiter des endroits qui leur semblent particulièrement intéressants.

Cependant, cela peut poser des problèmes avec leurs pouvoirs de déguisement au départ. Par exemple, une licorne de Bournemouth peut préférer se déguiser en mouette mais, bien que cela puisse être parfaitement adéquat pour la promenade, cela semblerait légèrement déplacé si elle se déguisait en mouette lors d’une visite dans le désert de l’Arizona.

Sur une note plus positive, cet amour du voyage peut offrir des opportunités uniques pour repérer des licornes déguisées hors de leur place. Par exemple, si vous aperceviez un orignal errant dans les rues de Peckham, vous pourriez presque certainement dire que c’était une licorne canadienne qui n’était arrivée que récemment dans la région.

L’article touche à sa fin, n’hésitez pas à nous laissez votre impressions dans les commentaires. Allez également faire un tour chez ANIMAL TOTEM, vous y retrouverez tout plein d’articles sur les licornes !

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Les endroits à décorer avec des cadres

Tableau Décoration peut vous aider à faciliter vos décisions. Voici nos 7 meilleurs endroits pour ajouter du tableau Gustave Klimt – Judith II dans votre maison et quelques conseils pour les styliser afin d’ajouter la touche finale.

1. Le ministère de l’Intérieur

Les bureaux sont des endroits parfaits pour ajouter du tableau Gustave Klimt – L’auditorium du théâtre du vieux château et bureau ne signifie plus seulement votre lieu de travail loin de chez vous. De plus en plus de personnes travaillent à distance et ont un bureau à domicile. C’est donc une autre occasion de laisser votre personnalité briller tout en créant un environnement productif. Les centres de table au-dessus du bureau sont très appréciés, qu’il s’agisse d’une œuvre d’art, d’une belle photo ou du logo de votre entreprise.

Et n’oubliez pas votre diplôme ou toute autre récompense que vous avez reçue. Vous avez travaillé dur pour les obtenir, alors montrez-les ! En outre, pour personnaliser votre espace de travail et ajouter de petites touches. Les cadres suspendus sont de superbes accessoires sur les bureaux, les étagères ou les tables.

Lorsqu’il s’agit de bureaux, la plupart des gens préfèrent un design soigné et simple. Vous pouvez opter pour une allure strictement professionnelle ou – surtout dans un bureau à domicile – ajouter une touche de votre propre personnalité. Ici, à Tableau Décoration, nous avons une variété de styles de tableau Gustave Klimt – L’étreinte familiale pour s’adapter au décor de votre bureau, que vous choisissiez un cadre traditionnel en bois ou en métal avec un passe-partout neutre ou que vous décidiez d’ajouter de la couleur à l’un ou aux deux ! 

2. La chambre des enfants ou la salle de jeux

Les chambres d’enfants ont pour but de créer un environnement amusant et sûr qui reflète leurs intérêts et leur personnalité, tout en leur offrant un endroit apaisant pour dormir. Mais la chambre d’un enfant peut aussi avoir d’autres fonctions. Vous pouvez créer des zones séparées pour le sommeil, les travaux manuels ou les jeux. Avec un peu d’imagination, le tableau Gustave Klimt – Portrait d’Hélène peuvent aider à créer cette ambiance, que ce soit avec une grande galerie murale ou un simple cadre.

Comme pour toute autre pièce, la disposition de votre exposition dépendra de votre espace mural. Pour créer un effet, pensez à un mur d’exposition ou à un grand cadre. Pour accessoiriser un petit espace, pensez à un petit présentoir à trois tableau peinture ou à quelques cadres éparpillés.

Votre enfant a un personnage préféré d’un livre, d’un dessin animé ou d’un film ? Un poster encadré au-dessus du lit est tout ce dont vous avez besoin. Ou peut-être que votre enfant est obsédé par un sport. Accrochez un fanion encadré, une photo dédicacée et d’autres souvenirs encadrés pour une présentation unique. Une petite table dans le coin de la chambre peut servir d’espace de bricolage, alors pourquoi ne pas encadrer certains de leurs chefs-d’œuvre pour les accrocher au-dessus ! Votre enfant est un lecteur ? Un pouf, un tapis et quelques pages encadrées de livres classiques pour enfants constituent un coin lecture parfait.

N’oubliez pas de suivre l’exemple de votre enfant pour la décoration de sa chambre. Concentrez-vous sur ce qui le rend heureux et le reste est facile !

Si vous aimez votre article, vous pouvez trouver d’autres informations sur maison dans notre blog.

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Tout ce que vous devez savoir sur l’art de l’accrochage

Pour Marc-Olivier Wahler, ancien directeur du Eli et Edythe Broad l’art du musée dans le Michigan et du Palais de Tokyo à Paris tout processus d’accrochage doit commencer par un examen attentif de l’endroit où les œuvres sont exposées. Prenez en considération le contexte dans lequel l’œuvre d’art ou plusieurs œuvres d’art vont être intégrées », dit-il.

Quel est le contexte social, politique, architectural ? Quels sont tous les autres éléments présents dans l’espace où sont exposées les œuvres ? La présence des fenêtres et des portes, la hauteur du plafond, la qualité du sol, les prises électriques et les interrupteurs, etc. – tous ces éléments ont un impact sur la façon dont le spectateur interagira avec les œuvres.

Évitez les endroits qui pourraient causer des dommages

Il peut être tentant de donner à vos œuvres préférées une place de choix au-dessus de la cheminée. Mais les spécialistes de l’art de Christie’s recommandent de procéder avec prudence. Méfiez-vous de la lumière directe du soleil, et n’accrochez jamais un dessin ou une aquarelle près d’une fenêtre.

Choisissez judicieusement votre cadre

Si vous tenez toujours à accrocher un chef-d’œuvre tel que route avec un cyprès et une étoile – Van Gogh au-dessus de votre cheminée, un encadrement intelligent peut vous aider à éviter les dommages causés par l’exposition à la chaleur et à la lumière. Aujourd’hui, des glaçures spéciales peuvent être appliquées sur le verre pour empêcher les UV de décolorer les œuvres. De même, des joints peuvent être appliqués sur les cadres pour créer des environnements artificiels. Protégeant les œuvres d’art de l’humidité ou des fluctuations de température. Notre guide de l’encadrement offre d’autres conseils d’experts

Choisir la bonne hauteur

En général, les œuvres modernes et contemporaines sont suspendues à 1,55 mètre, au milieu du tableau. C’est la hauteur utilisée par les musées et pour les expositions chez Christie’s », explique M. Galligan. Les maîtres anciens ont tendance à être accrochés un peu plus haut, bien que la hauteur à laquelle vous accrochez une œuvre chez vous dépende bien sûr de facteurs tels que le mobilier et la hauteur du plafond ». Certains artistes ont donné des instructions spécifiques sur la façon dont leurs œuvres devaient être accrochées.

Faites attention aux fixations

Lorsque vous accrochez une œuvre d’art plat, nous vous recommandons toujours d’utiliser des fixations doubles de chaque côté de l’œuvre, plutôt qu’une seule fixation centrale », poursuit M. Galligan. Cela empêchera l’œuvre de pendre vers l’avant ou de bouger chaque fois que quelqu’un passe devant.

Le mur est aussi important que l’œuvre

L’espace négatif est, à mon avis, l’un des éléments les moins bien évalués lorsqu’il s’agit de placer plusieurs œuvres d’art ensemble », commente Wahler. Quel est l’espace qui se trouve entre chaque œuvre ? Cet espace négatif est le chemin créé par chaque spectateur, l’espace qu’il occupe lorsqu’il passe d’une œuvre à l’autre. Lorsque son regard défile d’un élément à l’autre. Et cet espace est, bien sûr, fortement influencé par le contexte.

Faites varier votre accroche

Si vous avez la chance de posséder une vaste collection – ou si vous réfléchissez à votre prochaine acquisition – accrocher des œuvres chez vous peut devenir une entreprise plus sérieuse. Selon les architectes d’intérieur Drake/Anderson, les collectionneurs ne doivent pas avoir peur de mélanger les périodes ou les genres. Jamie Drake conseille : « Pour vous recommander, j’ai utilisé un incroyable tableau Van Gogh portrait. Et l’ai associé à des tableaux peinture contemporains. En termes de types d’œuvres d’art, on trouve souvent un merveilleux dialogue entre, par exemple, une grande peinture et un groupe plus intime de quatre à six photographies, ou des œuvres sur papier ».

Jouer sur les contrastes

Si les peintures sur les similitudes, en particulier le portrait autoportrait – Van Gogh, sont un moyen d’organiser votre collection, accrocher des pièces très différentes les unes à côté des autres peut également créer une exposition visuellement frappante. Cela peut aussi être une façon de célébrer des contrastes forts. En permettant à des œuvres individuelles de se tenir seules, comme une force singulière », commente Berggruen.

Ne faites pas toujours confiance à votre œil

Lorsqu’il s’agit d’accrocher une œuvre d’art, nos manutentionnaires recommandent d’être technique. Vos yeux peuvent vous jouer des tours. Utilisez toujours un mètre à ruban et un niveau à bulle pour vous assurer que les œuvres sont accrochées bien droites », explique David Ellis, gestionnaire d’œuvres d’art chez Christie’s. « C’est particulièrement important si vous recherchez un accrochage symétrique. C’est particulièrement important si vous souhaitez un accrochage symétrique : si vous le faites mal, personne ne saura si vous accrochez symétriquement ou non.

Évitez les tuyaux d’eau et le câblage

Il est important de comprendre la structure des murs de votre maison », ajoute Ellis. Un très grand tableau ne tiendra pas sur un simple mur en plâtre si vous n’utilisez que quelques vis. Si vous n’avez pas d’expérience, privilégiez la prudence et utilisez une fixation un peu plus grande que celle que vous pensez nécessaire ». Peut-être des dommages sur les inestimables peintures champs à Auvers – Van Gogh. Il est également important de vérifier les lignes électriques et les conduites d’eau. Dans les maisons modernes, ils ont tendance à être canalisés sur les bords des murs. Mais dans les maisons plus anciennes, ce n’est pas toujours le cas, alors assurez-vous que votre vis ne va pas traverser un tuyau ou des fils.

Mais ne vous inquiétez pas trop

Bien que des mesures pratiques puissent contribuer à prolonger la vie d’une œuvre d’art, lorsqu’il s’agit de l’accrocher, « il n’y a pas vraiment de bon ou de mauvais choix – votre collection doit être organisée de la manière qui vous convient le mieux », déclare Galligan. Est suffisamment bonne, l’endroit où vous l’accrochez n’a pas d’importance : elle sera de toute façon belle. Si vous voulez plus de détails sur les peintures, visitez le site Tableau décoration.

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Peter Paul Rubens

Naguère, une partie de l’Allemagne répondait au doux nom de Westphalie. C’est dans cette contrée à la dénomination poétique que Peter Paul Rubens vît le jour en 1577. Bien que nantie, sa famille n’a eût d’autre choix que de s’exiler temporairement de son domaine d’Anvers. 

En dépit de tout, le jeune Peter Paul Rubens mène des jours heureux durant sa petite enfance. En 1587, malheureusement, une tragédie frappe la famille Rubens… Le patriarche, Jan Rubens, rend son dernier souffle. Avocat réputé, son sens des affaires a cependant permis à sa famille de rester à l’abri du besoin. 

En 1589, Peter Paul Rubens retourne dans sa ville d’origine. Passionné par les  sciences humaines, il reçoit une éducation digne de son rang à l’École Latine de Rumoldus Verdonck. Grec, latin, littérature classique… Petit à petit, ses rêves d’avocat disparaissent au profit d’une carrière dans la peinture. 

De 1589 à 1598, il apprend sans relâche auprès des grands peintres de son époque. Tobias Verhaecht, Adam van Noort et Otto van Veen l’ont tous eu comme apprenti. Bien qu’une grande partie de ses premières œuvres aient été perdues, il se dit que les tableaux Peter Paul Rubens ont commencé à voir le jour en 1598.

Au début du XVIIe siècle, il se rend en Italie pour s’initier aux méthodes propres à la renaissance. Profitant de la diversité culturelle à laquelle il a été exposé toute sa vie, Peter Paul Rubens parvient à développer un style qui lui est propre. 

En 1608, la mère de Rubens décède. Très proche d’elle, le peintre décide de retourner à Anvers. Cependant, dans un coin de son esprit, il manque la chaleur des terres italiennes… C’est dans ce pays qu’il considère comme son « foyer spirituel » qu’il a donné vie aux premiers tableaux Peter Paul Rubens marqués de son empreinte.  

Néanmoins, le destin en décidera autrement…

Alors qu’il projette de rentrer en Italie, l’artiste est surpris par le succès de ses propres œuvres. Auprès de la bourgeoisie d’Anvers, les tableaux Peter Paul Rubens sont des pièces exceptionnelles à acquérir à tout prix. Cette tournure des événements le poussera à rester dans la cité.

En 1609, l’archiduc Albert le nomme peintre de la cour. Grâce à son nouveau statut, ses tableaux Peter Paul Rubens feront l’objet de commandes publiques et consolideront son aura professionnelle. Considéré comme l’un des plus grands peintres baroques de son ère, Peter Paul Rubens jouit d’une notoriété grandissante.  

À force de travail acharné, les tableaux Peter Paul Rubens fourmillent de détails d’une précision à couper le souffle. Prodige de la peinture, Peter Paul Rubens manie le mouvement, la couleur et la dramaturgie du baroque comme peu de personnes. De même, il prêtait une attention particulière à la représentation de la chair humaine. 

Avec les magnifiques peintures à l’huile reprenant les tableaux Peter Paul Rubens, l’œuvre de l’artiste originaire du Westphalie a traversé les ères. Perfectionniste, il a conçu des tableaux si précis que même le temps n’a pas réussi à avoir de l’emprise sur ces derniers.

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William Turner

Qui n’aimerait pas embellir son espace avec une peinture à huile paysagiste ? Si tel est votre cas, vous trouverez votre bonheur avec les tableaux William Turner. Grâce aux reproductions de tableaudecoration.net, vous aurez l’embarras du choix. De plus, tous les tableaux William Turner sont livrés sans encadrement ce qui vous permet d’apporter une touche personnelle. 

Une rivière aux couleurs étincelantes, une baie au lointain paradisiaque, un jardin agrémenté de fleurs magnifiques … Quoi de mieux que ces paysages bucoliques pour rehausser votre intérieur ? 

Les tableaux William Turner sont d’une beauté et d’une originalité rare. Forcément, chaque jour, des centaines de personnes ont le coup de foudre pour l’un de ces toiles.

Peintre Britannique, Joseph William Turner a vu le jour le 23 avril 1775 à Londres. C’est par sa maîtrise des techniques de l’aquarelle qu’il s’est fait connaître dans l’univers artistique. 

Soucieux des détails, ce maestro de la peinture à huile incarne à la perfection le romantisme anglais. Issu d’une famille modeste, William Turner a fait ses premiers pas à l’Académie Royale en 1789. 

En 1790, ses tableaux William Turner sont pour la première fois exposés à l’Académie Royale de Londres. L’année 1796 est marquée par la reconnaissance du grand public. 

De 1819 à 1820, il effectue un séjour en Italie et s’imprègne de nouveaux idéaux. Il s’éloigne peu à peu du réalisme quitte à essuyer de nombreuses critiques. L’Académie Royale arrête d’exposer les tableaux William Turner, mais cela n’arrête pas William Turner dans sa lancée. Le 19 décembre 1851, il rend son dernier souffle après avoir marqué le monde pictural.

Marchant dans les pas de ses anciens maîtres (Poussin et Watteau) et d’artistes contemporains (Wilson, Fugeli), il a réussi à dessiner des tableaux William Turner époustouflants. Avide de découvertes, il a réalisé de nombreux voyages dont s’est nourri sa créativité. Chacun des tableaux William Turner est empreint d’un fragment de ses explorations. 

William Turner était un romantique qui puisait dans l’histoire, la littérature, la poésie et surtout la nature pour apporter aux tableaux William Turner une touche particulière. 

Un tableau William Turner fera des miracles dans votre maison. De par ses dessins savamment mesurés, ses peintures faites à la main, ses croquis impressionnants, vous aurez de quoi attiser les curiosités et les regards. 

Au-delà de l’aspect décoratif, les tableaux William Turner apporteront un nouveau souffle à votre vie. Rajoutant de la folie dans vos vies, ces peintures à l’huile vont au-delà des barrières générationnelles et feront de vous une référence en matière d’art. 

Les tableaux William Turner sont si divers qu’il est impossible de ne pas trouver chaussure à son pied. Venise, le grand Canal, Sunset, Le dernier voyage du téméraire, Coucher de soleil sur le lac, … Autant de tableaux William Turner qui étancheront votre soif d’exotisme. Au-travers des tableaux William Turner, vous découvrirez une transposition subtile de couleurs et une imagination à chaque fois unique. Évadez-vous sur un bord de mer grâce à un tableau William Turner… Explorez les terres féériques sur lesquelles le peintre a posé les pieds… Rêvez. Tout simplement.

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Edouard Manet

Né le 23 janvier 1832 à Paris, Édouard Manet est un peintre français qui a fait du réalisme son cheval de bataille. À une époque où seuls les nobles et les bourgeois sont représentés sur les toiles, il jette un pavé dans la mare en représentant la vie urbaine sur les tableaux de Édouard Manet.

Précurseur, novateur, il sera l’un des premiers à militer pour une représentation plus juste des éclats de beauté se trouvant dans la vie urbaine. Eh oui, sur les tableaux Édouard Manet, la beauté se trouve à tous les détours de ruelle comme en témoigne Le chanteur de rues – Édouard Manet. Au vu de ses origines, peu de personnes se seraient attendus à ce qu’Édouard Manet s’acoquine autant avec le petit peuple.

En effet, c’est dans une famille parisienne de la haute société que le peintre Français voit le jour. Des nombreuses excursions familiales dans les musées et les galeries d’art, il développe l’amour des arts et notamment de la peinture. Dès l’adolescence, il sait qu’il veut passer le reste de sa vie à peindre des tableaux Édouard Manet. 

Déterminé à suivre son rêve, il refuse obstinément de suivre des études de droit. Lunatique, il abandonnera une carrière prometteuse d’officier de la marine militaire. 

En 1850, sa famille se décide enfin à le laisser s’initier à la peinture. C’est au sein de l’atelier du peintre Thomas Couture qu’il pourra enfin être lui-même. Pendant six ans, il étudie sans relâche les techniques propres au 3e art. Pendant son temps libre, il se rend au musée du Louvre et dessine des tableaux Édouard Manet s’inspirant des toiles des prodiges des pinceaux.

En 1856, Édouard Manet désire voler de ses propres ailes. Il ouvre un atelier et se consacre pleinement à la réalisation de tableaux Édouard Manet. Dès son entrée dans la vie active, le peintre Français s’attirera les faveurs du public notamment avec des toiles telles que Le Buveur d’absinthe (1858-59).

En 1863, le tableau Édouard Manet Le Déjeuner sur l’herbe fît les choux gras de la presse. Arguant qu’il était indécent qu’une femme soit nue en présence de personnages habillés, certains critiques essayèrent tant bien que mal de discréditer l’œuvre de l’artiste.

Au cours de la même année, un autre tableau Édouard Manet fit parler de lui. Olympia mettait en scène une jeune prostituée, allongée nue sur un lit et attendant avec impudence un client s’annonçant avec des fleurs. 

Pourquoi les tableaux Édouard Manet s’attiraient-ils autant les foudres d’une partie de la presse ? Il est difficile de le comprendre… Bien avant lui, des peintres avaient représenté à maintes reprises des hommes et femmes nu(e)s, parfois en présence de personnes vêtues. 

Pour apporter vie et légèreté à ses toiles, Édouard Manet avait recours à une succession de couches de peinture sur fond clair. Grâce à cette technique assez particulière, les tableaux Édouard Manet sont vibrants tout en étant lumineux. 

À 51, Édouard Manet meurt d’une ataxie locomotrice résultant elle-même d’une syphilis. Derrière lui, le peintre laissera plus de 400 tableaux Édouard Manet d’une prestance exceptionnelle.

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Paul Klee

Jusqu’aujourd’hui, le mystère des tableaux Paul Klee n’a pas été résolu. Partisan de l’art abstrait et de l’utilisation des couleurs vives, ce peintre Suisse a su tirer le meilleur de nombreux courants artistiques. Un tableau de Paul Klee installé dans une pièce ne laissera indifférent aucun de vos convives.

Les tableaux Paul Klee sont une nouvelle façon d’appréhender l’art. Le peintre met un accent particulier sur les tonalités et les courbes de ses traits de pinceaux. Et ce n’est pas tout… 

N’ayant pas peur de s’aventurer sur des terres inconnues, il revisite le langage souvent incompris des malades mentaux, des anges et des monstres. La mort, abordée dans plusieurs tableaux Paul Klee, est aussi l’un de ses sujets de prédilection. 

C’est ainsi que Dans Voyage sombre en hiver, Paul Klee devance les surréalistes, pousse son rêve et s’abandonne à l’irrationnel. Pour toutes ces raisons, il est considéré comme un « peintre-poète ».

Né le 18 décembre 1879 à Münchenbuchsee près de Berne en Suisse, Paul Klee se positionne rapidement comme un peintre théoricien. Ses tableaux Paul Klee, dont la plupart sont connues comme étant originales et significatives, continuent d’embellir les maisons et de bercer les âmes. En 1940, Klee a malheureusement succombé aux dérives d’une maladie de la peau rare appelée sclérodermie.

De père et de mère musiciens, Paul Klee a dès sa naissance baigné dans les arts. Après ses études, il décide en 1900 de suivre un nouveau cursus à l’Académie de MunichFranz Stuck lui inculque les notions basiques sur l’anatomie. Peu à peu, il choisit de dévier de la tradition en introduisant dans son jargon artistique des concepts comme la couleur et le clair-obscur.

Après son mariage avec la pianiste Lily Stumpf et la naissance de son fils Félix en 1907, le peintre décide d’explorer l’Allemagne. Transporté par ce qu’il y découvert, il créé des tableaux Paul Klee qui lui permettent d’exposer au musée de Berne. 

Après la première guerre mondiale, Paul Klee embrasse une carrière d’enseignant. De 1921 à 1924, il officie dans un Institut des arts et métiers où il forme sur les techniques de tissage et de peinture sur verre.

En 1935, une autre exposition de tableaux Paul Klee a lieu à Berne. Une année plus tard, les prémices de sa maladie apparaissent. Il est rongé et affaibli, et cela se ressent dans les tableaux Paul Klee

Paul Klee a participé au développement de plusieurs courants artistiques. Ses toiles sont diversifiées et uniques, et le spectateur aguerri pourra aisément y distinguer les traits du cubisme, de l’expressionnisme, du surréalisme et de l’abstraction. Son intérêt poussé pour l’art continue de susciter des interrogations. D’ailleurs, il le disait souvent : « Avec le zèle d’une abeille, je récolte dans la nature les formes et les perspectives. ».

Sur tableaudecoration.net, des peintres talentueux réalisent des reproductions de tableaux Paul Klee qui n’ont rien à envier aux œuvres originales. Réalisées avec de la peinture à l’huile, elles sont livrées sans encadrement pour plus de flexibilité.

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Paul Cézanne

Paul Cezanne (19 janvier 1839 – 22 octobre 1906) était un artiste français et un peintre post-impressionniste dont l’œuvre a jeté les bases de la transition entre la conception de la démarche artistique du XIXe siècle et un monde de l’art nouveau et radicalement différent au XXe siècle. On peut dire que Cézanne constitue le pont entre l’impressionnisme de la fin du XIXe siècle et le nouvel axe de recherche artistique du début du XXe siècle, le cubisme. La phrase attribuée à Matisse et à Picasso selon laquelle Cézanne « est notre père à tous » ne peut être facilement écartée.

L’œuvre de Cézanne témoigne d’une maîtrise de la conception, de la couleur, de la composition et du dessin. Ses coups de pinceau souvent répétitifs, sensibles et exploratoires sont très caractéristiques et clairement reconnaissables. Il utilise des plans de couleur et de petits coups de pinceau qui s’accumulent pour former des champs complexes, à la fois une expression directe des sensations de l’œil observateur et une abstraction de la nature observée. Ces tableaux témoignent de l’étude intense que Cezanne faisait de ses sujets, de la recherche de son regard et de sa lutte acharnée pour faire face à la complexité de la perception visuelle humaine.

Paul Cezanne était un peintre français, souvent appelé le père de l’art moderne, qui s’est efforcé de développer une synthèse idéale entre la représentation naturaliste, l’expression personnelle et l’ordre pictural abstrait.

Cezanne est né dans la ville d’Aix-en-Provence, dans le sud de la France, le 19 janvier 1839, fils d’un riche banquier. Il a pour compagnon d’enfance Emile Zola, qui deviendra plus tard célèbre en tant que romancier et homme de lettres. Comme Zola, Cezanne développe très tôt des intérêts artistiques, au grand dam de son père. En 1862, après d’âpres disputes familiales, l’artiste en herbe reçoit une petite allocation et est envoyé étudier l’art à Paris, où Zola s’était déjà rendu. Dès le début, il est attiré par les éléments les plus radicaux du monde artistique parisien. Il admire particulièrement le peintre romantique Eugène Delacroix et, parmi les jeunes maîtres, Gustave Courbet et le tristement célèbre Edouard Manet, qui exposent des peintures réalistes dont le style et le sujet choquent la plupart de leurs contemporains.

Nombre des premières œuvres de Cézanne sont peintes dans des tons sombres appliqués avec des pigments lourds et fluides, suggérant l’expressionnisme romantique et lunatique des générations précédentes. Cependant, tout comme Zola s’est intéressé au roman réaliste, Cezanne s’est progressivement engagé dans la représentation de la vie contemporaine, peignant le monde qu’il observait sans se soucier d’idéalisation thématique ou d’affectation stylistique.

L’influence la plus significative sur l’œuvre de sa première maturité s’est avérée être Camille Pissarro, un peintre plus âgé mais encore méconnu qui vivait avec sa grande famille dans une région rurale en dehors de Paris. Pissarro n’a pas seulement fourni l’encouragement moral dont Cezanne, peu sûr de lui, avait besoin, mais il lui a également fait découvrir la nouvelle technique impressionniste de restitution de la lumière extérieure.

Avec les peintres Claude MonetAuguste Renoir et quelques autres, Pissarro avait développé un style de peinture qui consistait à travailler en plein air (en plein air) rapidement et à une échelle réduite, en employant de petites touches de couleur pure, généralement sans utiliser d’esquisses préparatoires ou de contours linéaires. Pissarro et les autres peintres espéraient ainsi capturer les effets naturels les plus éphémères, ainsi que leurs propres états émotionnels passagers, alors que les artistes se tenaient devant la nature. Sous la tutelle de Pissarro, et en très peu de temps, entre 1872 et 1873, Cezanne passe des tons sombres aux teintes vives et commence à se concentrer sur les scènes de terres agricoles et de villages ruraux.

Bien qu’il semble moins accompli techniquement que les autres impressionnistes, Cezanne est accepté par le groupe et expose avec eux en 1874 et 1877. En général, les impressionnistes n’ont pas eu beaucoup de succès commercial, et les œuvres de Cezanne ont fait l’objet des commentaires les plus sévères de la critique. Il s’éloigne de bon nombre de ses contacts parisiens à la fin des années 1870 et dans les années 80 et passe la plupart de son temps à Aix, sa ville natale. Après 1882, il ne travaille plus étroitement avec Pissarro. En 1886, Cezanne est aigri par ce qu’il prend pour des références à peine déguisées à ses propres échecs dans un des romans de Zola. En conséquence, il rompt ses relations avec son plus ancien supporter. La même année, il hérite de la fortune de son père et devient enfin, à l’âge de 47 ans, financièrement indépendant, mais il reste socialement très isolé.

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Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Mondialement connu pour ses portraits, ses œuvres figuratives et sa série de baigneuses voluptueuses, Pierre-Auguste Renoir est l’un des premiers peintres impressionnistes Français. 

Claude Monet, Frederic Bazile, Alfred Sisley… À un moment donné, Pierre-Auguste Renoir a fréquenté chacun des illustres peintres. Dans les années 1860, très loin des ateliers calfeutrés des artistes traditionnels, c’est dans la forêt de Fontainebleau que cette joyeuse clique se donnait rendez-vous. 

Pourtant, peu de personnes auraient prédit un destin aussi flamboyant à cet enfant né dans les bas quartiers de Limoges

Trouver sa voie dès son plus jeune âge

Le 25 février 1841, Léonard Renoir, tailleur de profession et Marguerite Merlet, couturière, ont un fils. Né à 06 h du matin au n° 71 de l’actuel boulevard Gambetta, l’enfant est baptisé Pierre-Auguste Renoir. 

En dépit des ressources financières limitées de la famille, le foyer ne désemplit pas de chaleur et de bonne humeur. Sixième d’une fratrie de sept enfants, Pierre-Auguste Renoir joue, rire et chante à longueur de journée. 

C’est à l’âge de 13 ans qu’il découvre sa voie. Alors apprenti dans une fabrique de porcelaine, Pierre-Auguste s’émerveille devant l’art de la peinture. En 1862, il réussit haut la main le concours d’entrée à l’École des Beaux-Arts et rejoindra l’atelier du peintre Charles Gleyre. Entre ses quatre murs, il rencontrera Alfred Sisley, Claude Monet et Frédéric Bazille qui, comme lui, envisagent un art plus proche de la vie réelle. 

La carrière de Pierre-Auguste Renoir peut alors commencer… 

Quand le succès se fait attendre…

Pierre-Auguste Renoir n’a pas immédiatement connu le succès. En 1874, sa participation au premier salon impressionniste en 1874 est un fiasco. Heureusement, il peut compter sur le support inconditionnel de son mécène, l’éditeur Georges Charpentier, et de son cercle d’amis. 

En 1878, fort heureusement, son œuvre réussit à convaincre les critiques et le public. Alors que sa renommée grandit, Renoir épouse en 1890 sa compagne de longue date, Aline Charigot avec lequel il aura 4 fils. En 1907, il s’installe dans le petit village de Cagnes-sur-Mer. 

Artiste très prolifique, il peindra plus de 4 000 tableaux tout au long de son existence. Parmi ses œuvres les plus connus, on peut citer Le déjeuner des canotiers, La fillette à l’arrosoir, Pont-neuf, Lise, Victor Chocquet, …

Passionné par son art, il peindra et sculptera en dépit des effets débilitants du rhumatisme et d’une attaque cérébrale. Le 3 décembre 1919, il s’éteindra chez lui des suites d’une congestion pulmonaire. Actuellement, son corps repose à Essoyes à côté de celui de sa tendre épouse qui l’avait quitté 4 ans avant son décès.

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Johannes Vermeer (1632 – 1675)

Sur un tableau Johannes Vermeer, chaque scène de la vie quotidienne semble être dotée d’une âme apaisante. La simplicité du quotidien est magnifié par le peintre baroque Johannes Vermeer. En dépit du temps qui passe, les tableaux Johannes Vermeer continue d’éveiller les passions des collectionneurs au regard aguerri.

Une jeune femme absorbée dans la lecture d’un livre… Une demoiselle jouant du virginal… Ou alors, une demoiselle fixant de façon déconcertante le peintre qui la dessine… Les tableaux Johannes Vermeer font de chacun de ces instants des moments d’une rare sensibilité.

Né en 1632, Johannes Vermeer pousse son premier cri dans la ville de Delft en Hollande. Issu d’une famille commerçante, son père Reynier Janszoon est successivement marchand d’étoffes, puis aubergiste avant de s’intéresser au monde de l’art. Ce contact intime avec les étoffes aux couleurs vives et les toiles d’artistes de renoms influenceront Johannes Vermeer. 

Bien que né dans une famille protestante, il se convertit au catholicisme peu après son mariage en 1653 avec Catharina Bolnes. Provenant d’une famille aisée, elle finance une partie des tableaux Johannes Vermeer et l’aide à éponger les énormes dettes laissées en legs par son père.

Durant la même année, il est élu à la tête de la Guilde de Saint-Luc de Delft et entame une carrière peu prolifique dans la peinture. En effet, il ne réalisera que 37 tableaux Johannes Vermeer tout au long de sa vie, ce qui leur confère une valeur inestimable auprès des marchands d’art.

Influencé par sa conversion religieuse, il essaiera de décrypter les mystères du divin dans ses premiers tableaux Johannes Vermeer. Pendant cette période, il peindra notamment Le Christ dans la maison de Marthe et Marie (1654-56) et Sainte Praxède (1655).

Cependant, il finit par se détourner de l’art religieux pour se tourner vers des scènes de genres. Sur les tableaux Johannes Vermeer, se dessinent alors des actes et des situations du quotidien. Mais sous le pinceau avisé du peintre ainsi que grâce à l’usage d’une large gamme de tissus aux motifs complets, chaque tableau Johannes Vermeer semble doter d’une âme qui lui est propre.

Durant son mariage avec Cathérina Bolnes, il retrouvera l’inspiration et engendrera pas moins de 15 enfants dont de nombreux morts nés. Parallèlement, sa situation financière n’allant guère mieux, il devra se serrer la ceinture et s’endetter considérablement auprès de Pieter Claesz en 1657.

Incapable de la rembourser, il mourra de façon brusque en 1675 dans la cité de Delft. Néanmoins, cette vie difficile contraste fortement avec la joie de vivre qui transparaît dans les tableaux Johannes Vermeer. Alors qu’il mène une existence incertaine et tumultueuse, ses toiles dépeignent des scènes où règnent calme et aisance. Ce contraste est davantage accentué par l’absence de berceaux ou d’enfants dans la quasi-totalité de ses toiles. Sur tableaudecoration.net, vous trouverez des reproductions de tableaux Johannes Vermeer d’une puissance poignante. Réalisés par peintres chevronnés, ces toiles sont faites avec de la peinture à l’huile et sont livrées sans encadrement. Envie d’apporter du style à votre intérieur ? Les tableaux Johannes Vermeer sont exactement ce qu’il vous faut.